Entidad Corporal
Entidad Corporal es una historia de moda con raíces en la profunda curiosidad por las creencias budistas, las cuales sugieren que la piel de nuestro cuerpo no es su límite. El cuerpo se extiende más allá de su forma visible con su experiencia del entorno. Para representar esta noción, el equipo decidió utilizar dos técnicas principales: la danza y el trampantojo. Con la ayuda de bailarines profesionales, cada movimiento y postura del cuerpo se convirtió en un instante capturado en el tiempo con una expresión evidente que continúa más allá. El trampantojo, una técnica artística que crea una ilusión óptica de experiencia 3D, se utilizó trabajando con el espacio y el fondo negro. El estilismo surge como un matiz fuerte que enfatiza la idea visual de la historia mediante el uso de ropa elástica, cinta adhesiva y tejidos vaporosos.
Hablamos con Motoki Nakatani, fotógrafo, sobre la principal inspiración de la sesión, extraída del surrealista Man Ray y el interés por el budismo. Motoki explica cómo esta fascinación le llevó al proyecto: "Decidí hacer una sencilla experimentación visual sobre ello dentro del marco de la fotografía/fotografía de moda". Debatimos las características del cuerpo presentadas a través del movimiento y la quietud, y las similitudes y diferencias entre la postura del cuerpo humano y la de la marioneta. La historia aporta un ángulo completamente nuevo para observar la vida y a los humanos, para plantear preguntas existenciales y experimentar emociones poderosas a través del prisma de una imagen.
"La primera idea básica surgió de la fascinación por surrealistas como Man Ray, pero sobre todo de la creencia budista de que la piel no es un límite para nosotros mismos".
— Motoki Nakatani
Hola a todos, hablemos del tema central del editorial: el cuerpo y sus límites físicos. ¿Cómo surgió la idea de investigar la continuidad o discontinuidad del cuerpo y su extensión al mundo?
Motoki: La primera idea básica surgió de la fascinación por surrealistas como Man Ray, pero sobre todo de la creencia budista de que la piel no es un límite para nosotros mismos. Siempre me han interesado ideas como la memoria colectiva o el espiritualismo, así que decidí hacer una sencilla experimentación visual sobre ello dentro del marco de la fotografía/fotografía de moda.
"Hemos hablado con el equipo sobre cómo podríamos hacer desaparecer ciertas partes del cuerpo y cambiar el peso de una parte del cuerpo mediante técnicas como el trampantojo".
— Motoki Nakatani
El trabajo con materiales que se ajustan suavemente a las curvas de la piel, como las mallas, tejidos que envuelven las partes del cuerpo e incluso cinta adhesiva, enfatiza, como usted lo llama, el "límite físico" del cuerpo. ¿Cuáles fueron algunas de las decisiones que tomaron al elegir los tejidos adecuados y al estilizar a los modelos en el set?
Motoki: Hemos hablado con el equipo sobre cómo podríamos hacer desaparecer ciertas partes del cuerpo y cambiar el peso de una parte del cuerpo mediante técnicas como el trampantojo. La cinta adhesiva fue idea de nuestra estilista Shinya, quien se inspiró en una imagen que encontró del proceso de creación de una chaqueta/traje. Aunque consideramos que las cintas son algo que une las cosas, también podrían servir para redibujar un cuerpo.
"Las muñecas y títeres, e incluso los robots, pueden imitar un movimiento humano fuerte, pero también tienen esa rigidez y torpeza que me interesa".
— Motoki Nakatani
Añadir la dinámica del cuerpo en movimiento y trabajar con movimientos de danza ofrece un nuevo ángulo de percepción de los cuerpos: la fuerza y la fluidez en movimiento en contraste con la calma quietud. ¿Qué fue importante al trabajar con los modelos/bailarines en el set y la dirección que les diste respecto a la atmósfera y los movimientos?
Motoki: Es interesante que menciones la fluidez y la quietud. Otro aspecto visual de esta serie es que a veces el cuerpo se vuelve casi como una marioneta (especialmente con el maquillaje en un 'look' particular). Las muñecas, los títeres e incluso los robots pueden imitar un movimiento humano fuerte, pero también tienen esa rigidez y torpeza que me interesa, y realmente quería probar con aquellos que sobresalen en/estudian la expresión física.
"Al mismo tiempo, las imágenes monocromáticas enfatizan el volumen y las sutiles diferencias de la piel".
— Motoki Nakatani
Trabajar con el peinado y el maquillaje es otro elemento que contribuye a enfatizar la sensación deseada de los modelos en movimiento. ¿Cómo decidieron ayudar y expresar los personajes a través del cabello y el maquillaje, especialmente al tratar con imágenes en blanco y negro y sepia?
Motoki: Para el cabello y el maquillaje, ya teníamos algunas ideas decididas antes de la sesión. Pero como mencionas, es limitado trabajar con eso, especialmente en imágenes monocromáticas. Al mismo tiempo, las imágenes monocromáticas enfatizan el volumen y las sutiles diferencias de la piel, por ejemplo. Creo que hicieron un gran trabajo.
¿Qué momento de este proyecto es el más valioso para ti?
Motoki: Siempre me emociona ver las imágenes 'estáticas' en aspectos bidimensionales. Con las imágenes 3D y continuas que vivimos durante la sesión, somos sin duda conscientes de las características falsas de la fotografía/fotografía de moda, pero es suficientemente mágico lo que se puede hacer en 2D.
Fuente: https://www.wulmagazine.com/editorials/motoki-nakatani